一人芝居・モノローグの始め方完全ガイド【脚本選び・演出・練習法】

一人芝居とは？その魅力と可能性

一人芝居（ワンマンショー・ソロパフォーマンス）は、たった一人の俳優が舞台上で物語を語り、演じきる演劇形式です。モノローグとも呼ばれますが、厳密にいえば「モノローグ」は一人語りの台詞形式を指し、「一人芝居」はそのモノローグを中心に構成された演劇作品全体を指します。

なぜ今、一人芝居が注目されているのか

近年、一人芝居はますます注目を集めています。その理由はいくつかあります。

会場を選ばない: カフェ、ギャラリー、小劇場、路上。極端に言えば畳一枚のスペースがあれば公演できる
制作コストが低い: 出演者は自分一人。スケジュール調整も自分次第
SNS時代との相性: 短時間の一人芝居はYouTubeやTikTokでもシェアしやすい
コロナ禍以降の変化: 密を避ける演劇形式として見直された
演技力の証明: 一人で舞台を持たせる実力が問われるため、俳優としての評価に直結する

プロの世界でも、イッセー尾形さんの即興一人芝居、白石加代子さんの「百物語」シリーズ、柄本明さんのソロ公演など、日本を代表する俳優たちが一人芝居に取り組んでいます。

一人芝居の種類を知ろう

一口に「一人芝居」と言っても、実はさまざまなスタイルがあります。自分がやりたい方向性を明確にすることが、作品選びの第一歩です。

1. 物語型モノローグ

一つのストーリーを最初から最後まで語り演じるタイプ。登場人物は一人（あるいは語り手が複数の役を演じ分ける）で、起承転結のある物語構造を持ちます。

特徴:

脚本がしっかり書かれていることが多い
演技力に加え、物語の構成力が問われる
観客を「物語の世界」に引き込む力が重要

例: 一人の女性が過去の恋愛を語りながら、当時の自分と現在の自分を行き来する作品

2. キャラクター演じ分け型

一人で複数の人物を演じ分けるスタイル。声色、体の向き、立ち位置の変化で「今、誰が話しているか」を表現します。

特徴:

高い演技力と切り替えの技術が必要
観客にとってはパズルのような面白さがある
イッセー尾形さんのスタイルが代表的

例: 家族会議の場面を、父・母・子ども・祖母の4役を一人で演じ分ける

3. 詩的・抽象型モノローグ

明確なストーリーよりも、言葉のリズムやイメージで空間を作るタイプ。現代詩や散文詩に近い表現です。

特徴:

言葉の選び方やリズムが重要
身体表現との組み合わせが多い
アート寄りの演劇フェスティバルで見かけることが多い

4. コメディ一人芝居

笑いを主体としたソロパフォーマンス。スタンダップコメディとの境界線が曖昧な場合もありますが、「キャラクター」や「物語」がある点が違いです。

特徴:

客席との距離が近い会場が適している
テンポとタイミングが命
アドリブ力も問われる

5. ドキュメンタリー型

実在の人物や実際の出来事をもとにした一人芝居。自伝的な作品もこのカテゴリに含まれます。

特徴:

リサーチと取材が作品の質を左右する
「事実」が持つ重みが観客に響く
社会問題をテーマにした作品も多い

一人芝居の脚本の選び方

自分に合った脚本を見つける5つのポイント

1. 上演時間で選ぶ

一人芝居は集中力が命です。初めて挑戦するなら、15〜30分の短編から始めることをおすすめします。

レベル	上演時間	向いている場面
初心者	5〜15分	ワークショップ、練習発表
中級者	15〜30分	小規模公演、演劇祭
上級者	30〜60分	本公演、フェスティバル
ベテラン	60分以上	単独公演、ツアー

戯曲図書館では上演時間で脚本を検索できるので、「1人」「短編」で絞り込んでみてください。

2. 自分の強みに合わせる

一人芝居は「ごまかしが効かない」演劇形式です。自分の強みを活かせる作品を選びましょう。

声に自信がある → 詩的モノローグ、朗読劇寄りの作品
身体表現が得意 → マイム要素のある作品、動きの多い脚本
コメディが好き → コメディ一人芝居、日常系の作品
感情表現に自信 → シリアスなドラマ、告白系モノローグ
演じ分けが得意 → 複数キャラクター型の作品

3. 観客を想定して選ぶ

誰に見せるかで、適した作品は変わります。

演劇関係者向け: 実験的・技巧的な作品が評価されやすい
一般のお客様向け: 物語がわかりやすく感情移入しやすい作品
学校行事: 暴力・性的表現がなく、テーマが普遍的な作品
コンクール: 審査基準を確認し、規定時間内に収まる作品

4. 上演権を確認する

既存の脚本を上演する場合、必ず上演許可を取りましょう。一人芝居は作家と俳優の距離が近いジャンルなので、直接やり取りできることも多いです。

上演許可の詳しい取り方は「演劇の上演許可の取り方完全ガイド」をご参照ください。

5. 「自分で書く」という選択肢

実は、一人芝居は自作脚本に最も適した演劇形式です。理由は以下の通り。

自分の言葉で語れるので、台詞が体に馴染みやすい
自分だけの体験やエピソードを素材にできる
稽古しながら脚本を修正できる柔軟性がある

脚本の書き方については「脚本・台本の書き方入門ガイド」で基礎から解説しています。

一人芝居の演出テクニック

一人で舞台を持たせるには、演出の工夫が不可欠です。以下に、実践的なテクニックを紹介します。

空間の使い方

ステージング（立ち位置と動線）

一人芝居では、自分の立ち位置が「場面」を表現します。

上手（客席から見て右）と下手（左）で場所を分ける: 例えば上手が「現在」、下手が「過去」
前後で時間軸を表現: 前に出ると「今ここ」、後ろに下がると「回想」
対角線の動き: 感情の変化を空間の移動で表現

椅子一脚の魔法

一人芝居でよく使われる小道具が「椅子」です。

座る → 日常的な場面、落ち着いた語り
立ち上がる → 感情の高まり、決意
椅子を回す → 場面転換
椅子に語りかける → 不在の人物との対話
椅子の上に立つ → 権威、支配、叫び

たった一脚の椅子が、一人芝居の舞台を何倍にも広げてくれます。

照明と音響

小規模な公演でも、照明と音響は一人芝居の効果を大きく高めます。

照明の基本:

スポットライト一灯でも、「明るい＝現在」「暗い＝過去」の切り替えが可能
横からの光は影を作り、心理的な深みを演出する
ブラックアウト（暗転）は場面転換に効果的だが、多用しすぎると流れが切れる

音響の活用:

BGMは使いすぎない。沈黙の力を活かす
効果音は「空間を広げる」目的で使う（雨の音、電話の着信音など）
開演前と終演後の音楽で、作品の世界観を伝える

観客との関係

一人芝居ならではの強みが、観客との直接的なコミュニケーションです。

第四の壁を破る: 客席に語りかけることで、観客を物語に巻き込む
アイコンタクト: 特定の観客と目を合わせることで、「今、自分に話している」と感じさせる
沈黙の共有: 言葉を止めて客席を見つめる。この「間」が一人芝居の最大の武器

ただし、観客参加型にするかどうかは作品の方向性次第です。すべての一人芝居で客席に話しかける必要はありません。

一人芝居の練習方法

基礎トレーニング

1. 発声・滑舌練習

一人芝居では、声がすべてを伝える道具です。毎日の基礎練習を欠かさないようにしましょう。

おすすめメニュー（1日15分）:

腹式呼吸（5分）: 仰向けに寝て、お腹に手を当てて呼吸する
母音の発声（3分）: 「あえいうえおあお」を明瞭に、ゆっくりから速く
早口言葉（3分）: 「生麦生米生卵」「東京特許許可局」など
台詞の音読（4分）: 今取り組んでいる脚本の一部を声に出して読む

2. 身体表現の練習

声だけでなく、体も重要な表現手段です。

鏡の前でのエチュード: 感情（喜怒哀楽）を言葉なしで体だけで表現する
歩き方の変化: 年齢、性別、感情によって歩き方を変える練習
ニュートラルポジション: 何も演じていない「ゼロ」の状態を作る練習。ここから演技が始まる

3. 感情の引き出し練習

一人芝居では、感情の切り替えが頻繁に求められます。

感情のスケール: 同じ台詞を「怒り1→10」のように段階的に強度を変えて言う
感情のスイッチ: 「笑い」から「泣き」へ3秒で切り替える練習
感情の記憶: 自分が実際に体験した感情を思い出し、その感覚を演技に使う

脚本の稽古法

ステップ1: テーブルワーク（1〜2週目）

まずは座って、脚本を深く理解する段階です。

通し読み: 脚本を最初から最後まで声に出して読む（最低3回）
キャラクター分析: この人物は誰か？何を望んでいるか？何が怖いか？
構造の把握: 起承転結はどこか？クライマックスはどこか？
言葉の意味を掘る: 一つひとつの台詞が「なぜこの言葉なのか」を考える

ステップ2: 立ち稽古（3〜4週目）

体を使って演じ始める段階です。

動線を決める: どこで立ち、どこで座り、どこで歩くか
台詞と動きの連動: 言葉と体の動きがバラバラにならないように
台本を手放す: この段階で台詞を覚えきることを目指す
録画して確認: スマホで撮影し、客観的に自分の演技を見る

ステップ3: 通し稽古（5週目〜）

本番を想定した練習です。

通し稽古: 最初から最後まで止めずに演じる
時間を計る: 上演時間が目標に収まっているか確認
観客を入れる: 友人や家族に見てもらい、感想をもらう
ゲネプロ: 本番と同じ条件（衣装・照明・音響）でのリハーサル

一人芝居におすすめの題材・テーマ

一人芝居に向いている題材には、いくつかの共通点があります。

「語りたい衝動」があるテーマ

一人芝居の核は「この人物がなぜ今、ここで、語らなければならないのか」という切迫感です。以下のようなシチュエーションは一人芝居に向いています。

告白: 誰かに言えなかったことを打ち明ける
回想: 人生の転機を振り返る
待っている時間: 誰かを待ちながら語る（ベケットの「ゴドーを待ちながら」の変奏）
手紙を読む/書く: 宛先のある言葉は一人語りに自然なフレームを与える
電話: 相手の声が聞こえないことで、一人芝居でありながら「対話」が生まれる

日本の名作一人芝居から学ぶ

一人芝居に挑戦する前に、名作を観ることをおすすめします。

イッセー尾形: 日本一人芝居の第一人者。日常の中のおかしさを鋭く切り取る
白石加代子「百物語」: 文学作品を一人で語り演じるシリーズ。言葉の力を体感できる
柄本明: 落語的な語りと演劇を融合させた独自のソロスタイル
中村勘三郎「鏡獅子」: 歌舞伎における究極の一人芝居
坂手洋二の作品群: 社会性のある一人芝居の脚本で知られる

一人芝居を上演する場所

小劇場

東京なら下北沢、池袋、新宿エリアに一人芝居に適した小劇場が多数あります。客席数30〜100程度の空間が、一人芝居には最適です。

全国の小劇場情報は「全国の小劇場一覧」にまとめています。

カフェ・バー

飲食スペースを使った公演は、一人芝居との相性が抜群です。

観客との距離が近い
飲み物を飲みながらリラックスして観られる
会場費が劇場より安いことが多い

オンライン配信

Zoomやツイキャス、YouTubeライブを使ったオンライン一人芝居も定着しつつあります。

カメラのフレーミングを活かした演出が可能
字幕や画面効果との組み合わせ
海外の観客にもリーチできる

一人芝居でよくある失敗と対策

失敗1: 「ずっと同じテンション」

問題: 最初から最後まで同じ声量・同じテンポで、観客が飽きる

対策: 「波」を意識する。静かな場面→盛り上がり→沈黙→爆発、というように感情のダイナミクスをつける。楽譜でいえば、ピアノ（弱く）とフォルテ（強く）の差を大きくする。

失敗2: 「客席が見えなくなる」

問題: 緊張で自分の世界に入り込み、観客の存在を忘れる

対策: リハーサルの段階で、客席に向かって語る瞬間を意識的に作る。台詞の中で「ここは観客を見る」というポイントを決めておく。

失敗3: 「場面転換が唐突」

問題: 時間や場所が変わるタイミングが観客に伝わらない

対策: 転換のサイン（身体的なリセット、照明の変化、沈黙、音響）を明確にする。一人芝居では、自分の体の動きだけが「場面が変わった」ことを伝える手段になることが多い。

失敗4: 「台詞が飛ぶ」

問題: 一人芝居は相手がいないため、台詞が飛んだときにフォローしてくれる人がいない

対策:

台詞を「意味のかたまり」で覚える（一字一句ではなく、感情の流れで記憶する）
「ここで詰まったらこう繋ぐ」というセーフティネットを用意する
本番では、詰まっても「沈黙」として演技に組み込む勇気を持つ

失敗5: 「動きすぎる」

問題: 不安から舞台上を歩き回り、観客の目が定まらない

対策: 「動かない」ことの力を知る。立ち止まって語る瞬間こそ、最も強い印象を残す。動くときは「なぜ動くのか」に理由をつける。

一人芝居の脚本を探すなら

一人芝居に挑戦したくなったら、まずは脚本探しから始めましょう。

戯曲図書館 では、出演人数「1人」で検索できます。上演時間やカテゴリと組み合わせて、自分にぴったりの一人芝居脚本を見つけてください。

また、以下の記事も参考になります。

短編戯曲（30分以内）の魅力と上演のコツ: 初挑戦なら短編から
二人芝居のおすすめ作品と選び方: もう一人加えるなら
朗読劇の始め方と台本の選び方ガイド: 声の表現を深めたいなら
脚本・台本の書き方入門ガイド: 自分で一人芝居を書くなら

まとめ

一人芝居は、演劇の原点ともいえる表現形式です。一人で舞台に立つことは怖いかもしれません。しかし、その「怖さ」を超えた先にある、自分の声と体だけで観客の心を動かす体験は、何ものにも代えがたいものです。

まずは短いモノローグから始めてみてください。鏡の前で、友人の前で、カフェの片隅で。一人芝居の世界は、思っているよりずっと広く、自由で、あなたを待っています。